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miércoles, 21 de diciembre de 2011
domingo, 18 de diciembre de 2011
El rincón de Eduardo- Jane Eyre
Director: Cary Fukunaga
Guión: Moira Buffini (Novela: Charlotte Brontë)
“Jane Eyre” es una nueva adaptación de la novela más famosa de
Charlotte Bronte. El libro, mucho más convencional que “Cumbres
borrascosas” de su hermana Emily, es una historia dickensiana acerca de una
institutriz que busca su lugar en el mundo y que no se adapta ni a la presión
de una familia adoptiva que no la aprecia ni a las convenciones fijadas
para su sexo y estatus social. Eyre (estupenda Mia Wasikowska) transita por
diferentes lugares (paramos, colegios, parroquias, caserones) pero será
en la mansión llena de secretos de Thornfield donde encuentre el amor entre las
sombras y las luces de un lugar dominado por la presencia del Sr. Rochester
(irreconocible Michael Fassbender) atormentado por un pasado que sale a relucir
al tiempo que surge el amor arrebatado entre el amo y la institutriz.
El director, que sorprendió con la dura “Sin nombre”- acerca de la tribu de
los Mara Salvatrucha mexicanos- ofrece una adaptación elegante y
visualmente imaginativa aunque lastrada por un guión que no aporta gran cosa a
uno de los relatos más transitados por el cine y las series televisión y en el
que falla el punto central del filme: la química entre los dos protagonistas
con lo que el peso de la historia de amor “fou” recae en unos
diálogos alternativamente inteligentes o acartonados y algo cursis.
Se agradece, no obstante, al filme de Fukunaga su inmersión en el universo
psicológico y sociológico en el que vive inmersa la protagonista femenina
que destaca por encima de todos los demás personajes del filme. Solo Judi
Dench (en el papel de fiel sirvienta de la ominosa mansión en la que
busca refugio esta institutriz poco común) logra robarle alguna secuencia
a una joven e inspiradísima Wasikowska que se adueña de la película,
empequeñeciendo a un M. Fassbender en horas bajas incapaz de
transmitir el dolor interno, la pasión y la furia del personaje masculino
más que en momentos aislados y por sus acciones puntuales. Estamos, pues,
ante un filme elegante y arropado por un excelente equipo técnico artístico
-con una delicada partitura de Dario Marianelli y una amplia paleta cromática-
pero donde Fukunaga no arriesga casi nunca más de lo necesario a la
hora de contar una historia universal sobre la feminidad, la autosuperación, el
amor interclasista y el choque entre lo racional y lo pasional.
Eduardo Nabal es el autor del Blog Al Margen de Mí y autor del libro "El marica, la bruja y el Armario" y colaborado en el blog de KontraKorrorronte donde analiza periódicamente aspectos del cine no comercial de temática LGTBQ o contenidos que se escapan a la mirada clásica en el cine comercial.
domingo, 11 de diciembre de 2011
El rincón de Eduardo- Caminar sobre las aguas
WALK ON WATER (CAMINAR SOBRE LAS AGUAS)
El espía que ¿me amó?
Hansel y Gretel están vivos y bien
Y residen en Berlín
Ella es camarera y sirve cócteles
Él participó en una película de Fassbinder
Y ahora, de noche, se sientan juntos
A tomar Schapps y Gin
Y ella dice: Hansel, de veras me deprimes
Y ella responde: Gretel, de veras puedes ser una perra
Y continúa: he malgastado mi vida en tu tonta leyenda
Cuando mi único y verdadero amor
Fue la malvada bruja
Y él le responde: la historia es un ángel
Obligado a avanzar de espaldas al futuro
Y él ángel quiere regresar y arreglar las cosas
Reparar lo que fue destruido
De espaldas al futuro
Y a esa tormenta, a esa tormenta
la llaman
Progreso.
Laurie Anderson (“El sueño previo”)
Un asesinato al borde del mar. Un agente
de la Mossad en busca de dos hermanos. Él guarda un secreto pero también
ellos esconden algunos. Del contacto mutuo ninguna de las dos partes
puede salir indemne. Hansel y Gretel se han refugiado en Israel, su felicidad
no es del todo completa, ya que Gretel-Pía sabe más que Hansel-Axel sobre
las zonas oscuras del pasado y casi tanto como Eyal, el agente justiciero
“venido del pasado”.
. La tierra prometida donde los dos
hermanos quieren olvidar y encarar el futuro no es una tierra plácida, como nos
indican esos atentados suicidas, que aquí resuenan como un eco en las
noticias y que será el eje temático de “The Bubble”, el último
trabajo de Fox.
“Walk on water” es un filme amable si lo
comparamos con “Yossi & Jagger” o “The Bubble”, pero las
cuestiones heredadas del uno (las sexualidades en un mundo militarizado o
en conflicto) y las que se pondrán de relieve en el último (el conflicto
palestino-israelí, la frontera, los nuevos modelos de familia) ya aparecen
apuntadas en su hábil construcción dramática, donde no obstante, Fox y Uchovsky
quieren ganarse al público internacional con una apuesta más apacible y,
al menos en apariencia, más convencional. Este es su primer filme rodado en
inglés y el que les ha abierto definitivamente las puertas al mercado
internacional, estrenándose en las salas comerciales de muchos países, lo que,
paradójicamente no ha sucedido con su último filme “The Bubble” a pesar de
tener el mismo o más gancho, estar rodado con un estilo moderno y fluido- no exento
de trampas- y de ser políticamente más interesante. Y ello pese a que
la película contiene- en una de sus secuencias de acción, la más tensa
del filme- una de las declaraciones políticas más violentas de Fox cuando
Axel lamenta que Eyal no haya disparado sobre la banda de neonazis que los
asaltan en el metro y los golpean al verlos junto con un grupo de
travestís y transexuales, visibles… Estamos lejos de la extraña sobriedad
y la radicalidad ética, el compromiso político y estética ascética de Gitai,
de su ritmo pausado, sensibilidades ásperas y su meditada paleta
cromática, pero a cambio tenemos una mirada fresca y joven sobre los
mismos temas y algunos más. Fox y Uchovsky son grandes mezcladores de imágenes
y canciones aún en detrimento de la solidez o inmediatez de lo que nos cuenta,
son dos grandes poetas de la imagen aunque algo atravesado por el videoclip y
las series de televisión en las que se formaron como realizadores.
. El “ángel de la muerte” encarnado por
Eyal (Lior Askenazi) encarna una masculinidad fálica, retrógrada, monolítica,
inseparable de su pistola y su mirada seria, incapaz de derramar una lágrima,
carencia que él achaca a un trauma de nacimiento. Un ser que representa
un papel, que miente, espía, asesina y que busca venganza. Eyal ha
provocado indirectamente el suicidio de la mujer que lo amó y ahora busca
obsesivamente encontrar y asesinar al abuelo -un antiguo nazi
escondido- de esos dos “hermanos alemanes” que, en cambio, van a
conducirlo por terrenos desconocidos.
La sombra del pasado es como un fantasma
impreciso que pesa en todo el filme sobre la vida de dos jóvenes aficionados a
la música y el baile; que buscan encarar el presente y dejar
atrás un pasado familiar sombrío, materializado en ese agente disfrazado
de guía turístico, un varón de maneras corteses e intenciones homicidas .
El segundo largo de Fox es un filme más digerible que “Yossi & Jagger”, o
al menos no tan extremo, con un final más optimista y plácido y sus
hábiles puntos de giro argumentales. Esta vez el conflicto bélico
Israel-Palestina se encarna sobre todo en la furia vengadora de un
agente secreto, un hombre que va a encontrarse con muchos secretos
que acabarán enfrentándolo a su propia identidad. Eyal monta en cólera cuando
Axel se pregunta por las motivaciones de los terroristas palestinos. En cierto
modo Fox está anunciándonos el tema de su siguiente largo, donde va a
implicarse de lleno en el conflicto que sigue sacudiendo su país.
Uno de los principales objetivos de “Walk
on water” es mostrar cómo el amor, no sexual pero sí extremadamente
sensual entre Eyal y Axel va a cambiar al primero, haciéndole abandonar
la idea obsesiva de matar. Fox de nuevo interpela a las gentes de
su país, hace un tímido canto pacifista en una zona devastada por la guerra,
aunque no llegue al desgarrado alegato antibelicista y la reflexión
sociopolítica de “The Bubble”. El novio palestino de Axel está encarnado
por Yousef
'Joe' Sweid, el mismo actor árabe que cobrará un trágico y romántico protagonismo en “The
Bubble”, y a pesar de su presencia fugaz en el filme su frase
lapidaria “los judíos estáis obsesionados con lo que os hicieron y no
os molestáis en ir más allá…” resuena en todo el filme. Pero habremos
de esperar al filme siguiente de Fox-Uchovsky para que la frase se
materialice en una historia verdadera y en unas imágenes de amor y dolor, en
las que la tragedia palestina aparece como la sombra de un nuevo tipo de
holocausto.
La reacción homófoba de Eyal cuando
descubra el secreto de Axel (Axel es gay) será extrema porque en los rituales
homosociales que han compartido- mear juntos, ducharse y bañarse juntos en el
mar- Axel no ha revelado “su secreto”- no ha hablado lo bastante- pero
Eyal, en esos mismos momentos de contacto físico y humano, ha compartido
una parte íntima de sí mismo e incluso ha comenzado a feminizarse.
Cuando por primera vez falla en las pruebas de tiro, Eyal lo achaca
directamente “al exceso de cantantes femeninas”. Cuando frente al Muro
de las Lamentaciones Eyal se muestra indignado por todo lo que se le ha
ocultado, la desgarrada y algo arrogante Pía (Carolina Peters) no le da una
respuesta fácil. Para ella su hermano Axel y su sexualidad -de la que se
pavoneaba de adolescente- tampoco es un tema fácil, como tampoco lo es el
hecho de encarar que su abuelo siga con vida, manchando su presente
y la relación con sus padres. La relación entre Axel y Pía es a la vez tensa,
cariñosa y con un punto incestuoso que pertenece, sin duda, a la cultura
alemana. Hansel y Gretel también salieron de plumas germánicas. Y es en Berlín,
en la mansión donde ocultan al antiguo miembro de las SS, donde este
ángel-demonio herido aprende a llorar en los brazos de Axel, siendo Axel – a la
vez tierno y arrojado, a veces poco creíble- quién ponga fin a la vida de su
abuelo nazi.
El guión es habilidoso hasta el
malabarismo- mezclando con sabiduría el drama y la comedia de situaciones-,
pero puede parecernos demasiado alambicado y hasta algo tramposo a
quienes admiramos la no menos hábil contención de “Yossi & Jagger”. Sin
duda la mano de Uchovsky está más presente en este filme, del que es guionista
y no sólo productor. Un trabajo en el que se incide más en la
situación actual de Israel que en el machismo y la homofobia del ejército
y donde se nos muestra la vida en un Tel-Aviv moderno y colorista
bellamente fotografiado en todos sus escenarios y, de nuevo, acompañado de la
música de Ivri Lider. La identidad sexual en las fuerzas armadas de su país
vuelve, no obstante a estar presente aquí personificado en el
personaje que más drásticamente evoluciona, el falsamente hierático Eyal.
Aunque quizá el cambio de Eyal pueda dejarnos insatisfechos porque
esperábamos que acabara en brazos de Axel y acaba en los de Pía. Su contacto
con el lado femenino es espiritual y carnal y su redención tiene algo de
mesiánica. Eyal se convierte en padre. Pero su recuerdo final en la cinta es
para Axel y se materializa con un lirismo que no teme rozar la cursilería
en esa imagen final en la que ambos caminan sobre el mar de Galilea. No
obstante, el filme nos ha planteado complejos interrogantes sobre las
identidades que se mezclan, las culturas que chocan y las palabras que se
contagian. La curiosidad de Eyal sobre la sexualidad de Axel se encuadra dentro
de una política de lo normal que en realidad no acaba de cuajar, a pesar
de la placidez del hermanamiento final.
Todas estas cuestiones sobre masculinidad
y feminidad se llevan a primera línea en “The Bubble”, otra
historia que puede parecernos demasiado rocambolesca pero que mantiene un
magnífico equilibrio entre lo descarnado, lo realista, lo romántico y lo
poético. En un momento de la cinta Yali, uno de los protagonistas
de “The Bubble”, dice: “No empieces con Judith Butler”, una judía
también desgarrada por cuestiones de género, raza y sexualidad que está quizás
delante -o detrás- del espíritu de estos filmes, por la forma de cuestionar en
su obra ensayística la dicotomía masculinidad/feminidad como
un producto de las tecnologías de la raza, la nacionalidad y el
militarismo o incluso como un abismo que confunde al sujeto entero/hetero en
una posición fóbica. Como decía Trevor Hope “La homosexualidad no es la
lógica que sostiene al sujeto masculino sino el abismo que lo confunde y lo
arroja en su fóbica ex-sistencia”.
Eduardo Nabal es el autor del Blog Al Margen de Mí y autor del libro "El marica, la bruja y el Armario" y colaborado en el blog de KontraKorrorronte donde analiza periódicamente aspectos del cine no comercial de temática LGTBQ o contenidos que se escapan a la mirada clásica en el cine comercial.
domingo, 4 de diciembre de 2011
Tú publicas- Melancolía (Eduardo Nabal)
MELANCOLIA
Director y guión: Lars von Trier
“Melancolía” viene empañada por las ganas
de “provocar” de su ególatra realizador. No obstante, al ver este filme se
podría decir que es precisamente la grandilocuencia lo que echa a perder las
innegables virtudes de su trabajo: el esfuerzo de las dos actrices
protagonistas (maravillosas en sus papeles a la vez complementarios y
antagónicos), la cuidada iluminación tenebrista, la mezcla de realismo y poesía…
lastrado todo ello por un director que a veces parece un discípulo
enfadado de Bergman y otras un adolescente revoltoso jugando a ser Stanley
Kubrick con sus propios dogmas . “Melancolía” tiene un esqueleto argumental
demasiado endeble como para no provocar cierta irritación en el espectador poco
amante del cine “intelectual” y del exceso de metáforas, obviedades,
disquisiciones filosóficas de segunda y diálogos altisonantes.
En los festivales se ha
reconocido el trabajo de la joven Kirsten Durst encarnando a la depresiva
Justine aunque Charlotte Gainsbourg como Claire (su aparentemente más realista
y serena hermana) tampoco le va a la zaga en un personaje mucho más contenido
que aquel que interpretaba en la desmesurada “Anticristo”
Estamos ante una apuesta
que, como en muchos otros filmes de su realizador, irrita y fascina a partes
iguales, sorprende por su desparpajo pero nos aproxima a la vergüenza
ajena cuando se acerca a los grandes discursos, el barroquismo gratuito y
las pretensiones de genialidad.
Von Trier en “Melancolía”
coquetea con el drama psicológico, familiar y el cine fantástico,
pero la intención desesperada de hablar en voz alta incluyendo música clásica,
imágenes de postal y gritando más alto que nadie desmerece de la
calidad de sus trabajos y ensombrece la potencia de su aproximación a mentes
atormentadas y a situaciones que se escapan de las manos de quienes las
viven. Un filme, en resumen , de un realizador que aquí juega a, y
pretende ser, un Visconti nórdico, pero solo a ratos
convence de que esta transmitiendo sentimientos crispados.
| [FRAGMENTO] EN MEMORIA DE SIGMUND FREUD | |
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Tú Publicas- Un testimonio necesario (Eduardo Nabal)
UN TESTIMONIO NECESARIO
SUJETOS DE UN CONTRA-DISCURSO
Una historia intelectual de la producción gay, lesbiana y queer en España.
De Laurentino Vélez-Peligrini
Ediciones Bellaterra SGU, 2011
Por Eduardo Nabal
Es difícil hablar con objetividad de una personalidad tan controvertida
como Laurentino Vélez-Pelligrini. No obstante, su ensayo Sujetos de un
contra-discurso (Una historia intelectual de la producción teórica gay,
lesbiana y queer de España) destaca por su claridad, objetividad y rigor.
El libro comienza hablando
de los efectos sociales y la producción teórica en torno al VIH -uno de los
campos de batalla principales de su autor- destacando los trabajos pioneros de
Ricardo Llamas en el contexto del Estado Español. Vélez-Pelligrini nos habla
del legado filosófico de Paco Vidarte así como de teóricas y ensayistas
actuales como Olga Viñuales, Juan Vicente Aliaga, Javier Sáez, Oscar
Guash, Gracia Trujillo o Alberto Mira, aquellos que han puesto su grano
de arena en lengua castellana a un discurso, el de la teoría queer, que había
sido gestado, sobre todo, en lengua extranjera. Pelligrini recoge, con la
avidez de un investigador incansable, las rutas que por estos lares han tomado
los discursos contra la homofobia y en torno a temas tan dispares como el
psicoanálisis, el feminismo lesbiano y el postfeminismo; el cine y el
contra-cine, las manifestaciones de arte en torno al VIH o las políticas
del cuerpo, surgidas especialmente a partir de la década de los noventa, con
grupos como La Radical Gai o LSD, de Burgos a París, así como temas
candentes como la transexualidad y la intersexualidad y los estudios de género
en un mundo académico todavía reacio a recoger su importancia.
Vélez-Pelligrini apenas
habla de sí mismo, diluyéndose en su trabajo, pero su estilo de
sociólogo, colaborador en numerosas publicaciones de carácter ecléctico y
politólogo, impregnan un libro saturado de información nueva donde rebaja algo
su alma de polemista incansable a favor de un testimonio fidedigno e inquieto
sobre las y los que han creado un discurso algo “a la contra” de las corrientes
oficiales y oficialistas del movimiento gay-les-trans. Un movimiento y un
panorama integrador que, en su opinión, se limitan a exigir derechos
socioeconómicos, tolerancia y algunas parcelas de libertad bajo la
tutela de esos poderes fácticos de los que el autor tanto desconfía A pesar de
su escepticismo visceral hacia lo “queer” y sus madres teóricas,
Vélez-Pelligrini pone su pluma a favor de este tipo de producción intelectual y
política, escrita muchas veces desde los márgenes de lo bien visto dentro y
fuera de los círculos académicos más convencionales.
Un ensayo, “Sujetos de un contradiscurso…”, que toca muchos temas, pero que
surge de la necesidad de dar la palabra a los que han ido construyendo culturas
de la diferencia en el seno de un movimiento desarticulado y contradictorio,
con personajes no siempre bien avenidos, a los que, no obstante, él trata
de aproximar con una mirada lúcida e incisiva, que en este libro muestra el
lado más sereno de Vélez-Pelligrini y su incansable búsqueda de la
sinceridad.
Controvertida personalidad intelectual, contradictorio y demoledor en
ocasiones, Peligrini nos ofrece, no obstante, uno de los ejemplos más notables
de producción teórica en castellano de tiempos recientes al tiempo que se erige
como inagotable y, en ocasiones, despiadado cronista de estos mismos
discursos intelectuales, divididos entre la teoría, la práctica, el habla y el
silencio.
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miércoles, 30 de noviembre de 2011
1 de diciembre- Día Internacional De la Lucha Contra el SIDA
30 años hace ya desde que las primeras muertes por VIH se dieron en Estados Unidos, cuando varias personas murieron por una neumonía que no solía atacar a ese grupo de edad, el cual presentaba unas defensas bajas. La ciencia fue rápida y no tardó mucho en dar nombre y causas a lo que sucedía. Una pacata política basada en la mojigata retrasó mucho tanto los avances médicos como los avances sociales hasta que fue lo suficientemente tarde para que muchas personas abandonaran este mundo jóvenes, y para que muchos más sintieran en sus carnes un estigma inútil basado en prejuicios arcaicos. Si la historia de la humanidad está repleta de grandes pandemias, esta se basó en la parte más débil de los humanos, la estupidez para ceder ante las religiones y basar leyes y hechos en sus dogmas, para propagarse. Lo positivo es que se rescató el sexo a primera plana, para bien y para mal. Por otro lado, la comunidad gay se tuvo que reorganziar en torno a este nuevo reto, al estar estigmatizados de base por él, para una de las luchas más activas que se han vivido por una comunidad contra una enfermedad. Pero la historia continua, y se están dando pasos atrás en bajar la guardia, así que desde KontraKorronte, nos sumamos a todos los llamamientos para que se haga una verdadera lucha contra esta pandemia. Con verdadera voluntad política.
Tú publicas- Un método peligroso (Eduardo Nabal)
Director: David Cronenberg
Guión: David
Cronenberg (Novela: Christopher Hampton)
En su último y, en gran medida decepcionante, filme David Cronenberg
ahuyenta gran parte de su universo visual a favor de una novela romántica sobre
el amor entre Carl Jung y Sabina Spielrein, en lo que pasa de ser una relación
médico-paciente a convertirse en una pasión ardorosa no sin
transitar por algunos personajes célebres del psicoanálisis de la época como el
doctor Freud (correcto Viggo Mortensen)- retratado de una forma un tanto
oblicua- o los círculos intelectuales donde se debatían las
revolucionarias teorías que el psicoanálisis había destapado sobre la sexualidad
como motor de la vida psíquica y las constricciones sociales.
Sin embargo, al contrario que en sus otros filmes más “psicológicos” o
incluso “psiquiátricos” como “Spider” o “Inseparables”, hay poco de la
atmosfera malsana, del suspense interno, de las mutaciones corporales y de “la
nueva carne” muy queridos por el autor canadiense que nos obsequia
esta vez con una historia tan exquisitamente rodada como carente de
autentica pasión. La emoción aflora a ratos, pero, si bien Fassbender borda su
personaje, Keira Knightley, vuelve a caer en el
histrionismo y la monotonía y su personaje no alcanza la entidad
suficiente como para competir con dos actores de fuste. Poca originalidad
ofrece, pues, “Un método peligroso”, más cerca de un biopic al uso –con
alguna propuesta verbal atrevida- que de uno de esos monstruos de creatividad
visual apabullante del director de la viscosa “ExinteZ”. Cerebral y discursivo
hasta la extenuación, el filme se acerca solo verbalmente al
universo de su director al hablar de la conexión entre el sexo y la muerte como
ya hizo en “Crash” o “M. Butterfly” pero la producción se decanta más por
la convección sin perturbar nunca al espectador más de lo necesario. Podríamos
rescatar de este, en parte, fallido y algo manierista “Un método peligroso” la
ambigüedad moral de sus tres protagonistas y la historia de amor acompañada de
los acordes de Howard Shore y Richard Wagner ya que la puesta en escena es
demasiado límpida para una historia tan llena de sombras. Parece como si
Cronenberg se hubiera rendido ante el sabroso guión del dramaturgo
Christopher Hampton aparcando su propio cosmos de dioses y monstruos. Y,
al plegarse a algunas de las formas del cine británico de qualité, a
pesar del inflamable material que maneja y de su atención desmedida a la
duración de los planos y la expresión de los rostros, su historia pierde
fuste y el resultado final se acerca a una claudicación por parte del otrora temido
director.
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viernes, 25 de noviembre de 2011
25 de noviembre- Día contra la violencia de género
La violencia de género no es sino una forma de machismo anclada en las raíces más profundas de una sociedad patriarcal en la que la mujer debía someterse al hombre, y este podía utilizar cualquier método para que eso se cumpliera. El machismo, como forma de superviviencia de la estructura patriarcal es un mal que sigue perdurando en nuestra sociedad, inoculado como un virus aún desde el sistema educativo, la socialización primaria y muchos modelos televisión (programas de corazón especialmente que viven de viejas formas de relación). Por supuesto, el machismo es el germen de la homofobia también.
Por ello nos sumanos a este día internacional, en repulsa del maltrato, hostigamiento y daños que sufren las mujeres, y no sólo físicos, por el hecho de ser mujer, o por el hecho de querer ser un tipo de mujer. Y hacemos un llamamiento para que las instituciones públicas y los agentes socializadores con intención educativa pongan todos su esfuerzos para erradicar este mal de la sociedad.
jueves, 24 de noviembre de 2011
Actividades 1 de diciembre- Burgos ( CCASBU)
EL CAMBIO EMPIEZA EN TÍ
DÍA MUNDIAL DEL SIDA - Uno de diciembre de 2011
30 años de logros, 30 años de retos
PROGRAMA DE ACTIVIDADES
24 de noviembre: Colocación del LAZO ROJO en el Ayuntamiento de Burgos
25 de noviembre: Charla coloquio sobre la experiencia de vivir con vih, con la proyección de la comedia "Drole de Felix" de Oliber Duscastel y Jacques Matineau, en el Centro Cívico de San Agustín, a las 8 de la tarde. Actividad coordinada por D. Eduardo Nabal, comentarista cinematográfico.
26-27 noviembre: IV JORNADAS DE SENSIBILIZACIÓN Y PROMOCIÓN DE LA PRUEBA RÁPIDA “HAZTE LA PRUEBA DEL VIH” en la Nueva Plaza de Gamonal, sábado de 11 de la mañana a 20 de la tarde y domingo de 11 de la mañana a 16 de la tarde. Campaña de promoción del diagnóstico precoz a través de las pruebas rápidas de detección del vih/sida en Burgos.
29-30 noviembre: CONFERENCIAS SOBRE SEXUALIDAD
“Vida sexual tras la infección por vih”,
Dra. Ana María Caro Murillo, Médica-sexóloga de la unidad “Vihda Sexual” de Madrid.
Martes, 8 de la tarde, Monasterio de San Juan.
“La educación afectivo-sexual de nuestros jóvenes:
En las familias” por D. Daniel Ortega Moral, Psicólogo clínico, responsable del programa de “Salud Joven” del Ayuntamiento de Burgos.
En los centros educativos” por Raúl Martínez González, pedagogo-sexólogo, y Beatriz Artola Galiana, psicóloga-sexóloga, codirectores del programa de “Sexualidad en las aulas” del Comité Ciudadano Antisida de Burgos.
Miércoles, 8 de la tarde, Monasterio de San Juan.
30 de noviembre: RUEDA DE PRENSA: Presentación de la campaña del Día Mundial contra el Sida en la Sala Polisón del Teatro Principal a las 10,30 h.
1 de diciembre: DIA MUNDIAL DEL SIDA
“EL CAMBIO EMPIEZA EN TÍ” del CCCASBU
2-4 de diciembre: REPARTO DE MATERIAL PREVENTIVO con las campaña HAY COSAS QUE NO SE OLVIDAN en clubs y locales repartidos por toda la ciudad.
domingo, 20 de noviembre de 2011
Tú publicas- Un dios salvaje (Eduardo Nabal)
Director: Roman Polanski
Guión: Roman Polanski, Yasmina Reza (basado en la obra de esta última)
En solo 79 minutos Roman Polanski realiza una de sus mejores y más
sorprendentes películas adaptando con fidelidad -al texto pero también a su
propio estilo y sus obsesiones habituales- la obra de teatro de
Yasmina Reza “Carnage”. “Un dios salvaje” como la fallida “Cul de sac” o la
incomprendida “El quimérico inquilino” es una comedia, lo que de entrada sorprende
algo a los admiradores del director de “La semilla del diablo”, aunque el
humor, negro y caústico, la falta de fe en ser humano y la obsesión por los
espacios cerrados hayan estado presentes a lo largo de su irregular pero
dilatada y fecunda obra. Pero, si Polanski en películas como “La muerte y
la doncella” encerraba a sus personajes para hacernos sufrir, en “Un dios
salvaje” se decanta por una comedia ácida pero relativamente amable a pesar de
las miserias personales que van revelando los cuatro protagonistas (Jodie
Foster, John C. Reilly, Christopher Waltz y Kate Wislet) dos matrimonios que se
reúnen en casa de uno de los dos bandos para solucionar pacíficamente la
“agresión” del hijo de unos al hijo de los otros en un parque, a la salida
de la escuela. Y, como escolares enfurruñados o encerrados en su mundo, se nos
muestran esos dos matrimonios que progresivamente revelan sus flaquezas y
sus obsesiones.
Podemos decir que no hay demasiadas sorpresas en “Un dios salvaje” ya que
cada uno de los cuatro protagonistas se comporta como el público espera de
ellos, pero si una sabia dosificación de los momentos de humor y crueldad, de
reflexión y rabia, de ironía y desastres íntimos. La cámara de Polanski se
mueve con soltura e inteligencia en este pequeño piso que da al puente de
Brooklyn pero cuyo mensaje (la crítica a lo “políticamente correcto”, las
crisis de pareja, la mentira y la violencia soterrada en las relaciones
humanas) queda bastante claro al espectador. Y tal vez sea el único fallo de un
filme exquisitamente rodado e interpretado con entusiasmo: la falta de zonas
oscuras en los cuatro personajes luchando verbalmente hasta la extenuación. Si
parece evidente que Wislet le gana la partida a una algo afectada Jodie
Foster, de los dos personajes masculinos (un tanto peor parados en
esta tragicómica sucesión de pequeños disparates de “clase media”) no sabemos
si es John C. Reilly o Waltz quien se gana al público con sus personajes
-en particular este último- cargados de antipatía. “Un dios
salvaje” es una de las películas más sanas de Polanski porque, aunque se ríe de
sus personajes ,también se ríe con ellos cuando, inesperadamente, nos vemos
reflejados en algunos de los aspectos de su personalidad o de la situación
“absurda” en que se ven envueltos. Si “El escritor” estaba más cerca del
Hitchcock de “Con la muerte en los talones”, aderezado con sabrosos
apuntes políticos, aquí se aproxima estilísticamente a “La soga, si bien
cambiando la seriedad y la negrura por la mirada incisiva y el humor ácido,
y el drama policiaco por una arrolladora comedia de
costumbres.
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jueves, 17 de noviembre de 2011
Tú Publicas- La Cautiva (Eduardo Nabal)
LA CAPTIVE de Chantal Akerman
La mirada secuestrada
¿Es la cámara un falo
simbólico?
Chantal
Akerman, hija de padres judíos represaliados por el nazismo, nació
en Bruselas, pero reside desde hace tiempo en París donde ha ambientado
algunos de sus trabajos más interesantes. Como Téchiné esta belga de corazón
errabundo y alma feminista es una de las secuelas más perturbadoras y
productivas de la “nouvelle vague”, una directora que se enamoró del cine
viendo a Godard, pero que ha centrado su obra en el cuerpo, la sexualidad, las
relaciones de pareja y la consideración de lo fílmico como prisión de la
condición femenina. Akerman parece obsesionada por las arterias de la ciudad,
por los espacios cerrados, por las paredes desnudas en las que las mujeres
tratan de dar sentido a sus vidas, de escapar a los prejuicios heredados
y a las construcciones de su cultura…Su obra comienza dentro del cine
experimental y de vanguardia, pero se ha dado a conocer gracias a obras
aparentemente destinadas a un publico más amplio aunque igualmente
descarnadas, irónicas y destructivas en su visión de las relaciones humanas.
Historias de amor, sexo y desamor, de inclusión-reclusión femenina están
presentes desde sus primeros cortos hasta sus últimos largometrajes.
También en el mar y en el agua, con un grupo de muchachas
en flor bañándose despreocupadamente, comienza el que resulta
ser uno de los filmes franceses más extraños de los últimos tiempos: “La
captive”, rodado por la directora en 1999. Y en un mar oscuro y devorador
concluye esta inquietante fábula ¿moral? El voyeur es un varón de noble cuna
que desde su posición activa/pasiva/agresiva nos hace pensar en Hitchcock
y también en el peeping tom de Michael Powell, intentando apresar esa
forma femenina, matando lo que ama, O “El coleccionista” de William
Wyler que con su alma de entomólogo y su personalidad psicótica secuestra a una
joven para que se enamore de él El síndrome de Estocolmo, La campana, el
silencio, la opera, el encierro, la mirada masculina y el silencio de las
mujeres viendo cine hecho por una industria masculina. Una reflexión
femenina y hasta cierto punto feminista sobre el cine como aparato fílmico, que
originariamente se construye para el disfrute escopofílico del varón y del
varón heterosexual, inquieto por la libertad de una mujer y por su capacidad de
mirar a otras mujeres. Las imágenes del comienzo, con la joven jugando
en la playa junto a otras jóvenes, están rodadas por un mirón que, a la
manera del Scottie en “Vértigo” (De entre los muertos) de
Hitchcock la persigue con paciencia, en coche y a pie, por
las calles de París… El protagonista vigila meticulosamente el trayecto
exterior de una joven a la que, como luego descubriremos, mantiene cautiva en
un lujoso palacete parisino. De nuevo la mujer en la cama. Simon (Stanislas
Merhar), sospecha que su idolatrada Ariane (Sylvie Testud) -una joven que,
misteriosamente, se deja custodiar en esa alcoba en la que es una bella
durmiente y una muerta viviente- se siente atraída por otras mujeres.
Esta mujer supone para él un misterio y quiere tenerla controlada las
veinticuatro horas del día. Una jaula de oro que también puede ser la “campana
de cristal” de Sylvia Plath, la casa de la colina de las hermanas Bronte, las
casas de “Sospecha” o “Encadenados” de Hitchcock o el palacio
de lujo y falsedad de “La prisionera” de Marcel Proust. Nunca la
ansiada “habitación propia” de V. Woolf ni el taller de poesía de
Adrienne Rich y sus monstruos con forma de mujer , la reivindicación atraviesa
la búsqueda de formas de contar poco convencionales aun a costa de
alejarse del gran público y dar la espalda a los mecanismos convencionales de
la narración.
Akerman ha sido una de las
directoras más reivindicadas no sólo por la crítica feminista, de la que ella
también forma parte como ensayista y teórica, sino también por una franja
de la crítica especializada que ha seguido su titubeante, desigual, y
prácticamente desconocida ente nosotros, trayectoria fílmica. Nunca ha
resultado una realizadora al uso, y su cine, sobre todo en sus
primeros trabajos, se plantea como cine de combate desde un aparato, el
fílmico, que viene históricamente determinado por la preeminencia del varón y
su forma de concebir y limitar el mundo
Aspectos
como la reclusión femenina y su relación con los objetos, los muebles y el espacio
ya habían sido tratados por la autora en algunos de sus filmes como en la
cinta experimental “Je tu il, elle” (rodada en 1974 y
destinada, sobre todo, a las salas de arte y ensayo y posteriormente a
los festivales de culto de cine lésbico experimental ) o en la más lúdica y
accesible, pero no menos perversa, “Nuit et jour”, y
aquí se insertan en una narración que avanza con inquietante languidez.
Teóricas feministas del cine como Annette Kuhn han querido ver en algunos de
los trabajos de Akerman una reinvención-deconstrucción del concepto tradicional
del placer fílmico partiendo de romper con premisas narrativas tan
básicas como la sutura o el plano/ contraplano al insertar largos planos
secuencia de mujeres en actividades y rutinas humanas y conyugales que rara vez
suelen presentarse con realismo, y menos aún en tiempo real, en la gran
pantalla. En esta ocasión Akerman se decanta por la ficción y el trasfondo
literario (Proust, Barnes, Colette, Wittig…) pero mantiene algunas
premisas reflexivas sobre el placer-displacer del cine clásico y moderno, de
ver y no ver y de la posición de las mujeres como objetos y sujetos en
espacios abiertos y cerrados, en construcción o semiderruídos, domésticos y sin
domesticar. Un espacio que volveremos a encontrar en su última comedia
dramática sobre la desintegración de una casa y un matrimonio “Demain on
déménage”, sin estrenar en carteleras españolas,.
Junto a la sombra de Alfred
Hitchcock, la de Marcel Proust (“La prisonière”)
planea sobre “La captive”, un filme cadencioso y contemplativo,
una obra “de cámara” en que la autora reflexiona sobre la pareja, el
amor, el sexo y sobre el cine mismo buscando, de nuevo, desconcertar al
público. Estamos, pues, ante una obra que, al margen de sus influencias
literarias y cinematográficas, entra plenamente en el universo de una autora,
Chantal Akerman, que ha alternado el cine experimental, el político, la
reivindicación de la condición de mujer -aquí convertida en muñeca,
fetiche y finalmente en suicida- y la reflexión colectiva o individual sobre la
identidad geopolítica europea y sus cambios. Incluso ha hecho alguna
incursión en el cine comercial (“Un romance en Nueva York”, una discreta
comedia romántica protagonizada por Juliette Binoche y William Hurt).
“La
captive”, filme de ficción que se desarrolla con elegante y
deliberada parsimonia ante el espectador, con un ritmo contemplativo y
con claros referentes literarios y resonancias de clásicos del
cine, no escapa a esta rareza que casi nunca busca la complacencia del
público, sino más bien su máxima incomodidad. Una de las secuencias más
irónicas y a la vez estremecedoras de un filme de sabor decimonónico, aunque
ambientado en la actualidad, es aquella en la que Simon interroga a una
pareja de lesbianas intentando entender qué es lo que encuentran en una mujer
que no exista en un hombre. Y una de las más hermosas es aquella en la que
Ariane, que permanece casi todo el día en la cama, sale al balcón para dar la
réplica vocal a una vecina que se arranca a cantar un aria de ópera, ante la
mirada perpleja de Simon en la calle. Su cautiva tiene vida propia. La
musicalidad de las voces femeninas es una constante en el cine irónico y
trasgresor de esta mujer belga fascinada por las calles de París y los secretos
que esconden sus casas, sus parejas, sus palacetes, sus barrios.
Akerman
no resuelve el misterio y todo el filme tiene ecos del Hitchcock romántico, con
esa banda sonora que alterna la música clásica y la imitación de los acordes
evanescentes de Bernard Hermman, o la atmósfera de las novelas francesas
de amour fou, no eludiendo la cursilería, aunque siempre con el toque de
una mirada corrosiva que, sabiéndose de algún modo domesticada por los
sistemas de representación imperantes, se resiste a permanecer en
silencio
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